Dire l’art c’est aussi s’intéresser aux rapports entre l’art et le réel. Selon une conception classique la fin de l’art c’est la reproduction de données naturelles. On trouve, déjà, cette conception chez Platon, c’est la théorie de l’art comme mimésis, imitation. Il faut peut être précisé que chez Platon quand l’art imite la nature il est une copie imparfaite de la nature en raison de sa conception dualiste du monde : monde sensible, monde intelligible. Son disciple Aristote ne s’écarte guère de cette conception. Il considère que l’artiste doit s’employer à imiter les beautés naturelles de la façon la plus fidèle possible.
« Dessines, peins fût-ce de la nature morte l’art n’est jamais plus parfait que lorsqu’on peut le prendre pour la nature elle-même. »
Enseignait encore, Ingres
Cette idée que l’art imite la nature sera aussi le principe de l’esthétique de la Renaissance. Léonard de Vinci écrit à cet effet que la peinture est une science, l’authentique fille de la nature étant son rejeton. Il ajoute dans ce sillage que l’artiste doit prendre pour thème les animaux, les scènes de la vie, les herbes et les fleurs. Il doit même pousser le réalisme en essayant de capter le phénomène lumineux, la nature étant toujours baignée de lumières et d’ombres.
Il est à remarquer que la Renaissance marque l’essor de la science et un savant comme BACON conseillait comme méthode à procéder à une observation de la nature aussi pure que possible. Les artistes étant toujours fascinés par la science ce n’est donc pas un hasard qu’ils veuillent reproduire la nature à l’identique.
Cette fascination des procédures de la science est à l’origine du roman naturaliste. Des artistes comme ZOLA, les frères GONCOURT subissent l’influence des sciences de l’époque. La conséquence est que des artistes arrivent à des reproductions quasis photographiques des scènes de la vie d’une mortelle banalité.
C’est le XIXe siècle qui se rend compte de cette impasse dans laquelle l’art s’est engagé. Des artistes comme Paul KLEE, KANDINSKY cherchent à ouvrir des voies en émancipant l’art du visible. En effet, les cubistes parviennent à une pulvérisation de l’objet pour laisser la place aux formes, lignes et couleurs. Pour KLEE « l’art doit chercher une vérité intérieure enfouie dans les choses ».
Si l’objet de l’art était d’imiter le réel il faudrait se convaincre qu’une reproduction parfaite de la réalité n’est pas possible. L’artiste et esthéticien J. B. COROT le montre dans les lignes qui suivent :
« Tout en cherchant l’imitation consciencieuse, je ne perds pas de vue l’émotion qui m’a saisie. Le réel est une partie de l’art, le sentiment complet ».
HEGEL avait déjà montré qu’on ne pouvait pas réduire le pouvoir de l’artiste à un pouvoir d’imitation. L’artiste est un créateur et reproduire la nature serait une occupation oiseuse et superflue. C’est vrai que l’imagination créatrice de l’artiste s’appuie sur le réel non pas pour le reproduire à l’identique mais pour montrer autre chose. Quoi donc ? « Ce qui hors est en nous. Des choses qui ne frappaient pas explicitement nos sens et notre conscience » pour reprendre une idée de BERGSON.
Ainsi donc, l’artiste n’aurait pas la modeste ambition de reproduire ce monde vulgaire que nous appelons le réel mais l’ambitieuse prétention de lui opposer une autre société, une autre forme de vie, un autre monde dont lui seul a le secret
« Ce secret inavouable que tout est à refaire, tout est à recréer ».
Il est donc évident que l’art est création mais il n’est pas, même pour ce qu’on appelle art abstrait, une production à partir de rien, une production de l’imagination pure. L’imagination créatrice de l’artiste s’appuie toujours sur le réel comme en témoignent les lignes qui suivent : «l’art, crée le lieu de rencontre où les deux réalités, au lieu de s’affronter comme dans tout le reste de notre existence, trouvent enfin un prestigieux terrain d’entente, s’harmonisent, fusionnent même ». R. HUYGUE.